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想像してみてください。あなたはスクリプトのアイデアを持っています-a すごい アイデア-そしてそれをコメディーやドラマの物語に変えたいと思っています。どうやって進める？ニュースルームにすぐに行きたいと思うかもしれませんが、それが一歩一歩よく計画されているならば、その部分ははるかに良くなります。ブレーンストーミングセッションを行い、プロセスのセグメント化と簡略化のために構造の概要を作成します。

手順

パート1/3：アイデアの収集

1. 

   伝えたいストーリーの種類を決めます。 ストーリーはそれぞれ異なりますが、ほとんどの演劇は、視聴者がテキストで発生する関係やイベントを理解して解釈するのに役立つカテゴリに分類されます。あなたが描写したいキャラクターと、彼らの物語がどのように展開するかを考えてください。彼ら：
   • あなたは謎を解く必要がありますか？
   • 人として成長するために一連のデリケートな状況を経験していますか？
   • 彼らは世間知らずになるのをやめ、人生経験を積みますか？
   • 彼らはのオデュッセウスのように危険な旅に直面していますオデッセイ?
   • 彼らは物事に秩序をもたらしますか？
   • 彼らは目的を追求して様々な障害を克服していますか？

2. 

   
   
   ナレーションアークの基本的な部分についてブレインストーミングします。 物語の弧は、作品の最初から中間、そして最後までの進行です。これらの3つの部分の技術用語は、「露出」、「増加するアクション」、「解像度」であり、常にこの順序です。劇の長さや演技の数に関係なく、作者は 今まで これら3つの要素を開発する必要があります。最終的なテキストを書く前に、それぞれをどのように探索するかを整理します。

3. 

   
   
   展示に含めるものを決定します。 展覧会は劇を開始し、プロットの基本情報をもたらします。ストーリーはいつどこで行われますか？誰が主人公なのですか？敵対者（中央紛争を引き起こす人）を含む二次的な性格は誰ですか？キャラクターの主な対立は何ですか？演劇のジャンルは何ですか（コメディー、ドラマ、悲劇など）？

4. 

   
   
   露出を成長する行動に変えます。 成長する行動において、キャラクターが直面する状況はますます複雑になります。中心的な対立は主要な要素であり、聴衆をますます緊張させるのに役立ちます。この対立は、別のキャラクター（拮抗薬）、外的条件（戦争、貧困、愛する人との分離）、または主人公自身（たとえば、不安を克服する必要がある）と発生する可能性があります。増大する行動は、物語のクライマックス、つまり紛争が危機的な状況にある最も緊迫した瞬間につながります。

5. 

   紛争がどのように解決するかを決定します。 決議はクライマックスの対立の緊張に終止符を打ち、したがって物語の弧を終わらせます。ハッピーエンド（主人公が望むものを手に入れる）、悲劇的（読者が主人公の失敗から何かを学ぶ）、または デヌーメント （すべての質問に答えます）。

6. 

   プロットとストーリーの違いを理解します。 劇の物語は、「プロット」と「ストーリー」で構成され、観客の注意を引くために一緒に開発された2つの異なる要素です。イギリスの小説家E. M.フォースターは、「歴史」を劇の中で時系列で起こることと定義しました。次に「プロット」は、劇で発生するイベントを結び付け、感情的にインパクトを与えるロジックです。違いの例：
   • ストーリー：主人公のガールフレンドが彼と別れた。それから彼は仕事を失った。
   • プロット：主人公のガールフレンドは彼と別れた。慰められない、彼は仕事で感情的な故障があり、解雇されました。
   • 興味深いストーリーを展開し、聴衆の注意を引くペースで作品を展開し、カジュアルな方法で彼らがどのようにつながっているかを示す必要があります。それが一般の人々が登場人物や出来事を気にかけ始めた方法です。

7. 

   ストーリーを展開します。 ストーリーが面白くなければ、陰謀の感情的な共鳴を深めることはできません。作品を書き始める前に、作品の基本的な要素について考えてください。これを行うには、次の質問に答えます。
   • 物語はどこで起こりますか？
   • 主人公（主人公）は誰ですか？重要な副主人公は誰ですか？
   • 劇中のこれらのキャラクターの中心的な対立は何ですか？
   • 劇の行動を開始し、中央紛争につながる「最初の事件」とは何ですか？
   • 紛争中にキャラクターはどうなりますか？
   • プレイの最後に、どのように対立が解決されますか？キャラクターにどのような影響がありますか？

8. 

   ストーリーを深めるための計画を立てます。 プロットは、ストーリーのすべての要素間の関係を発展させるのに役立つことを覚えておいてください（前のステップにリストされています）。それについて考えるとき、次の質問に答えるようにしてください：
   • キャラクター同士の関係は？
   • キャラクターは中央紛争とどのように相互作用しますか？最も影響を受けるのはどれですか？お気に入り？
   • ストーリー（イベント）をどのように構成して、適切なキャラクターを中央紛争と相互作用させることができますか？
   • あるイベントから次のイベントへの論理的で無計画な進行とは何ですか？クライマックスと解決に向けて継続的なフローを構築するのに役立ちますか？

パート2/3：作品の構造について考える

1. 

   経験がない場合は、演劇の劇から始めます。 劇を書く前に、それをどのように構成したいかを理解する必要があります。ワンアクトプレイは中断がないため、初心者の劇作家に最適です。行為の遊びの例は ラファメイアまたはボイドフォゴ、ギルバン・デ・ブリト。これは最も単純な構造ですが、すべてのストーリーには、露出とアクションと解像度の向上を伴う物語の弧が必要であることを覚えておいてください。
   • 演劇の演劇には間隔がないため、シナリオ、俳優の服装、その他の技術はより単純です。

2. 

   一回のプレイでプレイの長さを制限しないでください。 この構造は、ショーの期間とは関係ありません。曲の持続時間はさまざまです。10分のものもあれば、1時間続くものもあります。
   • 一幕のいくつかの作品は数秒から10分まで続きます。学校でのプレゼンテーションなど、特定の形式のコンテストに最適です。

3. 

   より複雑な物語を作成するために2つの演劇で劇を書いてください。 これは現代演劇で最も一般的な構造です。作品の長さに関して特定の規則はありませんが、一般的に、各行為は約30分続きます-間に間隔があります。この間、観客はトイレに行ったりリラックスしたり、何が起こったのかを考えたり、最初の部分で示された対立について話し合ったりできます。一方、チームは俳優の風景、服、メイクを調整します。各休憩は約15分続きます。書くときにこれを考慮に入れてください。
   • 作品 へその中のルビー、Ferreira Gullarによる、2幕の劇の例です。

4. 

   プロットを2行為構造に適合させます。 この構造により、パーツアセンブリチームは技術的な調整を行う時間を増やすことができます。ショーは中断しているので、そのような流動的な物語をストーリーに与えることは不可能です。この間隔を念頭に置いて構成し、観客を最初の行為の直後、つまり成長する行為の直後に緊張させ、不安にさせます。
   • 主な事件は、文脈化と暴露の後の最初の行為の途中で起こらなければなりません。
   • メインインシデントの後に、ドラマチック、悲劇的、またはコミカルであるかにかかわらず、聴衆を緊張させるいくつかのシーンを書きます。彼らは、最初の行為を終わらせる紛争を引き起こさなければなりません。
   • 歴史の中で最も緊迫したポイントの直後に最初の行為を終えます。聴衆は休憩の終わりと第2幕の始まりを切望するでしょう。
   • 最初の行為の終わりよりも少ない緊張で2番目の行為を開始します。したがって、国民は怖がったり、騒動を感じたりしません。
   • クライマックスにつながる紛争の緊張を高める2番目の行為のいくつかのシーンを書きます（ もっと 時制）、曲の終わりの直前。
   • 突然に作品を終わらせないように、立ち下がりの行動と解決策を書いてください。すべての劇がハッピーエンドを必要とするわけではありませんが、観客はリリースされるアクトに蓄積された緊張を感じなければなりません。

5. 

   長くて複雑なプロットには、3行為構造を使用します。 経験が浅い場合は、1つまたは2つのアクトでプレイすることをお勧めします。3つのアクトでプレイする方が長いためです。観客を約2時間魅了するようなプロダクションをセットアップするには、より多くの経験が必要です。それでも、伝えようとしている話がもっと複​​雑な場合は、3つの行為を書いたほうがよいでしょう。 2つあるときと同じように、アセンブリチームは、景色や服などを調整する時間を多く持っています。休憩中。このモデルに従ってください：
   • 第一幕は個展です。登場人物や関連情報を少しずつ紹介していきます。聴衆に主人公と彼が自分自身を見つけた状況への愛情を生み出してもらいます-物事がうまくいかなくなったときに感情的な反応があります。この行為はまた、あなたが作品の残りの部分で展開する問題を提示しなければなりません。
   • 2番目の行為は複雑化です。状況は主人公にとってより危険で緊張しますが、問題もより複雑になります。たとえば、クライマックスの近くにある重要な情報を明らかにすることができます。この啓示は主人公を揺さぶるままにしなければなりません-彼がすべてを解決する力を持つまで。 2番目の行為の終わりは絶望的であり、中心人物の計画は廃墟となっています。
   • 3番目の行為は解決策です。主人公は前の行為の障害を克服し、劇の結論に到達する方法を見つけます。すべての劇にハッピーエンドがあるわけではないことを覚えておいてください。たとえば、ヒーローは死ぬことができます。重要なことは、聴衆はその経験から何かを学ぶということです。
   • 作品 アランホル、ホセ・サイズナンドによる、3幕の劇の例です。

パート3/3：脚本を書く

1. 

   行為とシーンをスケッチします。 この記事の最初の2つのセクションでは、ナラティブアーク、ストーリーとプロット、および構造の基本的なアイデアについてブレインストーミングを行いました。さて、作品そのものを書き始める前に、これらすべての要素を紙に詳しく書いてください。
   • 重要なキャラクターを紹介するのはいつですか？
   • いくつのシーンを含めますか？そして、それぞれに正確に何が起こりますか？
   • プロットに与える進行について常に考えるイベントを書きます。
   • チームはいつシナリオを変更する必要がありますか？服？部品を詳細に計画するときは、これらの技術要素について検討してください。

2. 

   作品を書くためのアウトラインをさらに発展させます。 それらが自然であるか、俳優がどのようにキャラクターを演じるかを考えずに、最も基本的な対話から始めます。その最初の概要では、より一般的な部分についてのみ心配する必要があります。

3. 

   自然な対話を作成します。 俳優がラインを人間的で現実的かつ感情的な方法で解釈できるように、よく構成されたスクリプトを俳優に与えます。会話を大声で読み上げて録音し、音声を聞きます。ロボットやどろどろに聞こえる部品に注意してください。文学作品であっても、キャラクターは自然に聞こえる必要があります。たとえば、主人公が仕事中や夕食時に何かについて文句を言うとき、学ばないようにしてください。

4. 

   接線の会話を書きます。 誰もが友人や知人と話すとき、少し騒々しくなります。劇中の葛藤の進行について考える必要がありますが、注意をそらす余地がまだあるため、テキストがより現実的になります。たとえば、主人公が関係の終了について誰かと話すとき、その関係がどのくらい続いたかを他の人が尋ねる2行または3行を含めることができます。

5. 

   対話に中断を含めます。 彼らは失礼になりたくないときでも、人々は常にお互いを邪魔します-「私は理解している」または「あなたは正しい」のような前向きな間投詞を作るためでさえです。人々はさえ割り込む 自分たち：「私-見て、私は彼に土曜日に乗るのを気にしません-しかし、私は最近仕事で非常に忙しいです」。
   • 文の断片を使用することを恐れないでください。この慣習は特定の種類のテキストでは十分に考慮されていませんが、日常の会話では依然として一般的です。例：「犬が大嫌い。すべての犬」。

6. 

   チームへの指示を含めます。 したがって、演出に関与する俳優やその他のエージェントは、劇のあなたのビジョンを理解します。斜体フォントまたは角括弧を使用して、ダイアログと混同せずにこれらのガイドラインを提供します。俳優は独自のクリエイティブライセンスを使用してラインを解釈しますが、より一般的な指示を与えることができます。
   • 会話のガイドライン：。
   • 身体的行動：e。
   • 感情的な状態：など

7. 

   部品のドラフトを必要なだけ何度でも書き換えます。 あなたの作品はすぐには完璧になりません。経験豊富なライターでさえ、結果が満足できるものになる前に、テキストを数回校正する必要があります。ゆっくりしてください！外観が新しくなるたびに、詳細を追加して作業を実現します。
   • 詳細を追加する場合でも、「Del」キーは非常に便利な場合があることに注意してください。このように考えてください。悪いことをとっても、良いものを見つけることさえできます。感情的な重みのないすべての対話とイベントを削除します。
   • 一般に、専門家は著者が作品を読んでいる場合に聴衆がスキップする部分を著者がカットすることを推奨しています。

チップ

• ほとんどの劇は特定の時間と場所で行われます。一貫している。たとえば、1930年代に住んでいるキャラクターは、電話をかけたり電信を使用したりできますが、テレビを見ることはできません。
• この記事の最後にある参考文献（英語）を参照して、劇の正しい形式に従う方法を学んでください。
• 必要に応じて即興で。時々、自発的なスピーチは元のスピーチよりも優れています！
• 小さな聴衆に向かって声を出して台本を読みます。演劇は言葉に基づいています-そして、このテストがあるとき、それらの力または欠如は明白です。
• その部分を自分で保管しないでください。あなたが書いていることを示すためにそれを宣伝してみてください！
• 最初のものに満足しても、いくつかの下書きを書いてください。

警告

• 劇場の世界はアイデアでいっぱいですが、ストーリーに独自の扱いをする必要があります。他人の仕事を盗むことは盗作であるだけでなく、ほとんど常に隠されている犯罪です。
• あなたの仕事を守ります。表紙には、名前と作品を書いた年を入れ、その後に著作権記号を入れてください。
• あなたの作品が拒否されたときに落胆しないでください。一度受け入れられない場合は、別の作品を試してください（別の作品を書く必要がある場合でも）。